最后，言语无处不在，代替插卡字幕进行呈现。即便不是插卡字幕，导演也别有用心的插入与叙事情节相适应的文字。譬如开篇乔治步入放映大厅台后时路过高悬在墙壁上的那句醒目标语——“幕后请保持安静”（Please be silence behind the screen）（3′46″）;又比如以旋转的报纸杂志形式出现的有关米勒新进有声片与乔治自费投资的无声片的评论对比（40′01′′至40′25′′）;再比如乔治落寞的离开拍卖会现场，街角酒吧名字“lonely star”（60′00″）等等语言文字的出现，避免了过多使用插卡字幕造成的视觉疲惫感，增加了镜头语言的多样性表达，更接近于现代观众的审美感受。

 

　　 由此可见，语言文字的使用在《艺术家》中，已超出了传统默片中对观众进行叙事情节解释的作用，且摒弃了传统默片中破坏电影整体流畅性的担忧，反倒是通过强调性提示、多样化表现以及刻意增加的方式，解读了有关电影的更多更复杂的背景资料，增加了电影本身的情绪渲染，甚至加强了叙事结构的完整性和流畅性。

 

　　 2.梦幻也真实 《艺术家》的出彩之处，还在于其在结构和表达上注入了现代元素。叙事中影片采用了嵌套式戏中戏的表现方式，并多次在影中之影（如《俄国情史》《爱之眼泪》《爱的光芒》等影片）的拍摄过程中，复调式地展现男女主人公爱情发展的线索。而其表达乔治梦境时运用的超现实主义手法，虽对早已熟悉各种视觉奇观的现代观众来讲不足为奇，然而出现在一部黑白色调的默片形式的电影当中，就让人倍感惊喜。此外，导演刻意为之的表现空间扭曲变形和倾斜的拍摄手法，也让观众身临其境，对乔治心理世界的崩塌感同身受。而这种形式与内容惊人的合拍，毫无任何突兀之处，实属导演功力了得。

 

　　 《艺术家》主题虽然采用了好莱坞经久不衰的情节剧叙事模式，但却并非是简单而传统的爱情片。如果说发生在同样背景下的经典影片《雨中曲》，是用饱和的色彩和振奋的心态，喜气洋洋地迎接一个新的技术时代的到来，那么《艺术家》带给我们的却不仅仅是那个年代独有的纯真爱情，我们更多的感受到了残酷的现实——美好的梦幻背后，有着时代更迭的苦痛、尊严的丧失、抉择的艰难和壮士割腕的妥协。在这部号称为音乐喜剧的电影背后，有着一种苦中作乐的哀伤，隐含着更多的人性思考和无限的唏嘘感慨。 

 

　　 3.寂静与喧嚣 当然，真正意义上完全区别《艺术家》与传统默片的地方，在于其无声与有声的精巧结合。例如在表现乔治梦境的那一场戏中，他看了有声电影后，回到自己房间，发现所有的物品都能发出声响——玻璃杯放置声、车水马龙声、狗叫声、电话声……所有声音掺杂呼应，让他莫名狂躁，甚至一片羽毛掉到地上都能发出轰然巨响。这种突如其来的音效介入，打破了观众已经形成的默片观影状态，强大的听觉冲击对比，将一个习惯于静默的“哑巴”演员对有声时代的恐惧表现得淋漓尽致。而影片最后，乔治和米勒用踢踏舞方式连接了无声和有声时代之后，说出了全片唯一的一句话“with pleasure”，影片也以有声电影的方式结束，标志着一个崭新时代的到来。导演在默片中插入声效的作用，显得非比寻常。

 

　　 三、跨时代的对话

 

　　 现代技术有着太多的陷阱，很多人因为急速变化的世界而感到恐慌。《艺术家》并非宣称默片才是唯一正确的电影艺术，更不是对数字时代的宣战。在导演迈克尔·哈扎纳维希乌斯看来，“好的电影是时刻提醒人们为何爱电影的电影”。怀旧而非守旧，驱动他拍摄这样一部影片的是他对现代化的忧思和谨慎，是对何为真正的电影艺术的反思。

 

　　 选择与八十年前的经典进行对话，让人们重温那个用手势、眼神，或是微耸双肩、轻佻眉毛，或是唇边含笑便能展现复杂与魅惑的幻影世界。在那里，一个滑步便能制造浪漫，腮边点痣便是调动情思，美好而含蓄，纯真又俏皮，爱便是艺术的起点与终点。

 

　　 《艺术家》没有华丽的炫技，不制造夸张的声色迷雾，有的只是干净与质朴，细腻和从容，却依然不乏真挚感动，沁人心脾。

 

　　① [法]菲尔·赛姆斯：《〈艺术家〉导演米歇尔·哈扎纳维希乌斯访谈》，曹轶译，《世界电影》2012年第3期，第176页。

 

　　② 张欲晓：《〈艺术家〉：向默片时代的致敬》，《电影文学》2012年第21期，第96页。

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