【内容摘要】油画的创作以及教学，相比较其他画种有着更为严格、更为细致的要求。一般而言，油画创作不仅需要绘画技法的功底，还要有很强的美学创作能力和审美眼光。油画的创作也比较复杂，需要考虑的因素较多，如构图、色彩、线条、造型等多个方面。因此，这也需要教师对油画的创作给予更多的知识传授和教学引导上的帮助。尤其是在绘画审美活动中，油画创作与名画欣赏有着不可分割的关系。学会欣赏世界名画、大师习作，非常有助于油画创作。文章就油画创作教学与世界名画欣赏带给我们的启示做简单的分析。

　　【关键词】油画 创作 教学 名画欣赏 启示

　　在美术课程的教学当中，一般而言，油画创作是美术学的学生大学阶段要学习的一个画种。另外，就油画本身而言，其具有复杂性，有很悠久的创作历史。古今中外，太多的艺术家都在这个包罗万象的画种当中畅游，这不是我们可以轻易达到的高度。因此，在油画的创作教学中，绝离不开对于名画的欣赏。以油画创作的几个基本方向，如构图、色彩、造型等为着手点，对名画进行分析，这样有利于学生进行油画创作。

　　一、油画创作中构图的重要性

　　构图可谓一幅画创作的核心环节，构图的好坏直接影响整幅画的效果和表现，所以必须重视构图的作用。一般而言，作画者普遍都选择将画面素材与整体布局相结合，通过确定整幅画的结构和构图，提升画面的美感。良好的构图不仅可以使画面变得丰满而有内涵，而且可以体现创作者的思想和创作意图。

　　创作一幅画，首先就是确定主题。尤其是油画这一画种，要求主题深刻而有内涵。当确定了想要表现和表达的主题后，就需要从构图的角度对此进行诠释。构图也是比较好的一种表现主题的方式。例如，在古希腊人的眼中，黄金分割比是一种非常具有美感的规律，因此，大多数油画创作也都是遵循黄金分割比的规律进行构图和创作的（图1）。在那个特定的条件之下，人们更觉得所谓的美感就是那些必须遵循的规律。

　　世界美术史上最早的构图结构是对称构图。利用这一构图模式最早的示范性作品也是一幅举世瞩目的作品——达·芬奇《最后的晚餐》。从传统意义上说，对称构图带给人的就是一种肃静、严肃、中规中矩的感觉。在这幅作品中的体现，主要就是宾主关系比较分明。例如将一些比较重要的物品，如餐桌上摆放的一些物品放在整幅画的中间。而耶稣坐在整幅画的最中央，他的两边分别坐着12个门徒，每一边都是6个，这种极其规则的构图方式让人们有一种比较严肃的感觉。这幅画作的精彩之处在于画家在这种极其规则的数量之上，追求的是一种细节的变化。这12个人，每个人的面部表情都是不同的，这也成为这种规则当中的一个点睛之笔。

　　后来出现了黄金分割比例之后，很多画家在作画时便开始更改构图方式。例如达·芬奇在后来创作的《蒙娜丽莎》中，就采取了黄金分割比的构图方式。从古至今，构图模式发生了很多变化，大致可以分为：对称构图、黄金分割构图、三角形构图、对立构图、十字形构图、对角线构图等。可以通过多种构图模式，满足不同的创作需要，从而表达不同的内涵和情感，这也是油画创作中非常重要的因素。

　　二、油画创作中造型的重要性

　　其实，对于油画创作中的造型因素，主要体现在外在的表现以及内在的情感表达上。一幅好的作品，要想在造型上获得好的效果，就需要对造型中的人物形象、造型表现进行典型化的塑造。而这种个性化和典型化也成为油画创作在造型表现上的基础。例如一幅深深触动过笔者内心和灵魂的作品——罗中立的《父亲

　　以前，这幅画没有这么高的知名度，可是很多年前就已经被引入到了小学美术课本中作为教学的范例。不得不说，这幅油画作品的艺术造诣很高。画家首先抓住了贫苦农民生活的不易，画出了布满老茧的双手，以及手上深深沟壑中的黑泥；画出了满是皱纹的面庞，体现出了农民脸上特有的沧桑。这些都是贫苦农民外在造型的典型特征。作者以饱满、真挚的感情，采取超大画幅的形式，用超写实主义的写实手法描写出了一个贫穷、朴实、善良、勤劳的农民形象。抓住这一特性，能让创作者更好地进行油画的创作，能让其生动地刻画和诠释出一个中国农民的形象。这种扑面而来的、强烈的形式感，深深打动了每位观者，引发了强烈的共鸣。画面中的农民形象，已远远超越了生活中的农民特征。这种创作出来的绘画形象，浓缩并表达了中华民族几千年来，劳动人民在我们心目中的形象。正是这种吃苦耐劳、无怨无悔、勤勤恳恳的劳动人民，成就了伟大的中华民族。画作中的父亲是我们每个中华儿女心目中永远的“父亲”，更是我们中华民族精神灵魂中永远的父亲。

　　三、油画创作中色彩的重要性

　　色彩是油画创作中一个比较重要的环节和手段。其具有很强的渲染环境以及氛围的能力，因此，也可以很好地表达创作者的创作意图和思想感情。在色彩缤纷的大千世界中，必须充分利用色彩在油画创作中的特点进行油画创作。在色彩的学习中，应该更多地去了解和观摩法国印象派画家的作品，如莫奈、毕沙罗、高更、修拉等大师的作品。他们在色彩运用上，不拘泥于对象固有色，大胆地从追求刹那间的自然色彩变化到追求自己内心的色彩独白。这种从客观到主观的跨越变化，使这个时期涌现出了很多风格各异的色彩大师。

　　在诸位大师中，在处理色彩与情感这二者的关系中，把握和处理得比较好的是梵高。梵高（Vincent Willem van Gogh，1853—1890年），著名的荷兰后印象派画家，表现主义的先锋，其艺术风格深深地影响了20世纪的世界艺术，特别是野兽派和德国表现主义艺术。梵高的主要代表作品，如《星辰》《向日葵》《稻田上的乌鸦》等，其中《向日葵》最具代表性，是梵高真正的自画像。这幅画是其在法国南部画的。在法语里面，向日葵的意思是“落在地上的太阳”，人们往往把它看作是光明和希望的象征。梵高的向日葵是一种亮丽明快、充满着希望和幻想的向日葵。在梵高的精神世界里，他的一切对象都充满着一种生命、对抗与执著。可以说，他就是这方面的天才。无论是花草、虫鸟、景色还是月夜，都离不开色彩和其自身丰富的情感投入。梵高的作品在一些人的眼中甚至有一些天马行空、无拘无束，看似信手拈来，但是对于色彩的驾驭却无人能及。其在色彩中，总是充满着浓烈的热情和激情，让欣赏者充分感受到那份灿若星辰般的情感色彩表现。

　　结语

　　油画的创作和名画的欣赏是紧密相连的。并且，由于油画创作自身的特点，具有很强的复杂性和比较悠久的历史。因此，必须要明确应该从油画创作必备的构图、造型以及色彩等方面进行简单和透彻的分析，了解名画创作者的社会背景、人文环境、自然因素，以及创作材料和手段等，做一个全面、整体的认识。这样就可以借鉴名师的油画创作方式，结合自身创作特点，以及当下的社会背景、时代特色，创作出属于我们这个时代的油画作品。我们自身还不能很好地做到对油画这些基本元素的驾驭，所以要经常对名画进行鉴赏和分析。通过分析名画的特点，为自身的创作提供一些灵感和经验。名画中总是会有很多值得学习的东西，因此，只有真正学好别人的作品，才能不断地激发自身的创作灵感，从而更好地进行油画创作。

　　参考文献：

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　　[2]章朝辉.油画创作教学与名画欣赏的启示[J].景德镇高专学报，2009（1）.

　　[3]聂磊明，王东方.对油画创作教学的一些思考[J].大众文艺，2010（2）.

　　[4]尉艳丽.高校油画创作教学的拓展[J].青春岁月，2012（10）.

　　[5]梁水兰.油画创作探析——油画创作的教学思考[J].美术教育研究，2011（11）.

 

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