3 音乐的表现力

　　爱因斯坦有句名言：“想象力比知识更重要”。音乐更多的是靠我们去想象的，即我们所说的二次创作。音乐的表现力是演奏者对音乐内容加以自己的理解与感悟进行的二次创作，是演奏者将现实生活转化为音乐的形式表现出来，这就需要演奏者有良好的乐感，而良好的乐感是提高音乐表现力的根本保障。而乐感是体验音乐的需要和感受的过程，是一门独特的艺术心理过程。是一种主体性的内在感觉，通过音乐表演来体现的一种实际音响，是人们内心对音乐的直观感应。良好音乐的表现力是作为一名演奏者所必备的基本能力，它的好坏直接影响音乐的表达，影响演奏者对音乐的判断，对音乐的感受，和对音乐的领悟。这就需要演奏者有扎实的基本功，其中包括音准、节奏、力度、音色及音量等方面，而这些都是在平日的练功中经过反复的练习获得，这就要求演奏者在平时的练功过程中注意力集中，仔细分辨音的高低，节奏的快慢，力度的强弱，及音色的统一，这些都通过大量的练习所获得，并非一朝一夕之功所获得，通过对旋律总体特点的感受和表现，可以体验到旋律美感和所蕴含的情感内涵。而教师应当在授课过程中对学生严要求，做到一丝不苟，细致入微。严格为学生把关，不能有一丝的松懈。必要时要为学生做出正确的示范，同时以身作则，为学生树立正确的形象，引导学生建立正确的观念。教师将识谱、读谱、唱谱、试奏、慢奏、快奏，各个环节联系为一个教学整体，通过音乐要素和音乐实践活动的综合，使学生在潜移默化、循序渐进的过程中，将试唱中的理论知识与养成好的练习习惯相结合，即我在平日的教学中经常对学生说的，在吹奏的过程中心中一定要跟着一起唱，要在吹奏的过程中在心里跟着一起唱，这样既能使学生注意力集中，还能听出在吹奏过程中哪些音有偏差，而且还培养了学生感知乐曲的能力，发展我们内在的音乐感觉，使教师与学生由口头语言表达变为乐器与音乐之间的交流与沟通。对作品的主题、调式、基本乐段的变奏、反复、发展及表现手法、乐曲基本结构、音乐形象等方式的初步了解使学生在不同教学水平和程度上建立起音乐概念之间的联系，并促进学生音乐知识和技能的发展，准确地把握乐曲的变化动向。使教学过程更生动，这样的训练，启迪了学生对音乐的兴趣，提升了学生的审美能力和人生境界，锻炼了学生们的综合素质。此外，还需教师引导学生捕捉每一个跳动的音符，按照旋律流动的美，循序渐进的求知过程，教师给予学生正确的引导，辅以自然优美的身体律动来表现各种不同类型的乐曲，只有自己感受到从内往外的心里美，才能带动听众的听觉与视觉的双重享受。

　　音乐不仅是一种音响的、一种听觉的艺术，它还存在于音响的运动之中。它是通过作曲家主观的感受写出来的，因此它在表现情绪激动时，心情复杂时，乐曲就表达出紧张的、比较快的节奏；如果表达心情平和的时候，乐曲就表现的舒缓柔和。所以，在演奏的过程中学生要发挥自己独立的思考能力，充分调动自身的想象力，用情绪去感动自己感染观众。而乐曲本身描述性叙事性是非常有限的，它只限于客观事物中的那些有音响的、有节奏的、有动态的——运动中的事物。只有敢于大胆的想象，将潜伏于学生内心勇敢的幻想激情和出色的表现力充分地发挥出来，赋予乐曲新的生命力。总之，提高音乐的表现力，需要演奏者坐下来，仔细、认真、严谨地研究每一部作品的主体，发展的逻辑处理及作者乐思的表达，作品的曲式结构，高潮布局及结束，只有通过这些必要的音乐手段及演奏者自身对音乐的感受和演奏激情，才能将乐曲的意境表达得淋漓尽致。

　　艺术家柯伦曾希望教师的工作具有美好的光彩，给人带来美丽的快乐，使人产生兴奋感，体现了美的教学过程，就是“艺术的成品”的愿望。我想，这也是我们所有教师的愿望，在上课的过程中，引导学生触景生情，产生共鸣，让学生掌握器乐技能、技巧及传统和现代曲目是教学的基本任务与责任，但更重要的是挖掘学生的音乐潜能，激发学生练习与学习的积极性，真正体验到“乐（音乐）即是乐（快乐）”的真正意义。

　　参考文献：

　　[1] 朴长天.论音乐表演艺术教学中的音乐表现力的培养[J].中国高教研究，2001（08）.

　　[2] 张永全.新视野下音乐作品的内涵体验[J].商业文化，2013（04）.

　　[3] 阎柏林，阎鹏.音乐学科有关音乐文化内涵浅析[J].音乐天地，2005（06）.

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